Tamayo

(1899-1991)

Rufino Tamayo figura capital en el panorama de la pintura mexicana del siglo XX, Rufino Tamayo fue uno de los primeros artistas latinoamericanos que, junto con los representantes del conocido "grupo de los tres" (Rivera, Siqueiros y Orozco), alcanzó un relieve y una difusión auténticamente internacionales. 
Participó en el importante movimiento muralista que floreció en el período comprendido entre las dos guerras mundiales. Sus obras, sin embargo, por su voluntad creadora y sus características, tienen una dimensión distinta y se distinguen claramente de las del mencionado grupo y sus epígonos. 

El trabajo de Rufino Tamayo se caracteriza por su voluntad de integrar plásticamente, en sus obras, la herencia precolombina autóctona, la experimentación y las innovadoras tendencias plásticas que revolucionaban los ambientes artísticos europeos a comienzos de siglo. No suscribió el radical compromiso político que sustentaba las producciones de los muralistas citados y prestó mayor atención a las calidades pictóricas.

Orozco

(1883-1949)

José clemenete orozco muralista mexicano. Unido por vínculos de afinidad ideológica y por la propia naturaleza de su trabajo artístico a las controvertidas personalidades de Rivera, Siqueiros y Tamayo, José Clemente Orozco fue uno de los creadores que, en el fértil período de entre guerras, hizo florecer el arte pictórico mexicano gracias a sus originales creaciones, marcadas por las tendencias artísticas que surgían al otro lado del Atlántico, en la vieja Europa.

Orozco colaboró al acceso a la modernidad estética de toda Latino américa, aunque la afirmación tenga sólo un valor relativo y deban considerarse las peculiares características del arte que practicaba, poderosamente influido, por la vocación pedagógica y el aliento político y social que informó el trabajo de los muralistas mexicanos. Empeñados éstos en llevar a cabo una tarea de educación de las masas populares, con objeto de incitarlas a la toma de conciencia revolucionaria y nacional, debieron buscar un lenguaje plástico directo, sencillo y poderoso, sin demasiadas concesiones al experimentalismo vanguardista.

Siqueiros

Pintor y muralista mexicano. Activo políticamente desde muy joven, interrumpió sus estudios de arte para alistarse en el ejército de Venustiano Carranza. Siqueiros fue, junto con Rivera y Orozco, uno de los padres de la escuela muralista mexicana. Al igual que ellos, compartió su fervor por la revolución y la exaltación del pasado precolombino, siempre desde un enfoque nacionalista y marxista, que plasmó en un arte de dimensiones monumentales y gran fuerza dramática.
Buena muestra de sus frescos está expuesta en el Sindicato de Electricistas y en el Palacio de Bellas Artes de México, en la ciudad de Chillan (en Chile) y en la Chouinard School of Art de Los Ángeles.
Su obra se caracteriza por el dinamismo y la movilidad compositiva, así como por una búsqueda de efectos dramáticos mediante el uso de la luz y el tratamiento escultural de las figuras y los fondos. Contiene, además, una fuerte componente didáctica, capaz de reunir pintura, escultura y arquitectura en pos de una nueva dimensión artística cuyo punto de partida es la realidad. Su anhelo por conseguir una reciprocidad entre las diferentes técnicas pictóricas y la más moderna tecnología, le llevó a crear un taller experimental de arte en Nueva York.

Diego Rivera

(1886-1957)

Pintor mexicano, considerado uno de los principales muralistas de su país. 
Se interesó por el arte de vanguardia y abandonó el academicismo.
Artista comprometido políticamente, Rivera reflejó su adhesión a la causa socialista en sus propias realizaciones murales y fue uno de los fundadores del Partido Comunista Mexicano, realizó diversas exposiciones y pintó grandes murales en las ciudades de San Francisco y Nueva York, que fue rechazada por sus contenidos socialistas.

"Devuelvo al pueblo lo que de la herencia artística de sus ancestros pude rescatar"

 

Muralismo

El Muralismo es un movimiento artístico de carácter indigenista, que surge tras la Revolución Mexicana de 1910. Propone la producción de obras monumentales para el pueblo en las que se retrata la realidad mexicana, las luchas sociales y otros aspectos de su historia.

Marina

Marina Abramovic es una artista de performance que investiga y explora los límites de lo psíquico y mental. 

En sus performance se ha lacerado a sí misma, se ha flagelado, ha congelado su cuerpo en bloques de hielo, tomando drogas para controlar sus músculos, con las cuales ha quedado muchas veces inconsciente, y hasta en una ocasión casi morir de asfixia recostada dentro de una cortina de oxígeno y llamas. 

Sus performances resultan una serie de experimentos que pretenden identificar y definir los límites en el control sobre su cuerpo; la relación entre el público con la performer; del arte y, por extensión, de los códigos que gobiernan la sociedad. 

Su ambicioso y profundo proyecto se encamina a descubrir un método, a través del arte, que haga a la gente más libre. Muchas de las performances de Abramovic en estos 30 años han sido brutales y desconcertantes. Algunas de ellas concluyen sólo cuando alguien del público interviene. Buscando el límite en el cual el público comprueba su resistencia a atestiguar el dolor y el sufrimiento.

"Estoy interesada en un arte que perturbe y rompa ese momento de peligro; por eso, el público tiene que estar mirando aquí y ahora. Deja que el peligro te concentre; esta es la idea, que te concentres en el ahora".

Jenny

1970

Jenny Saville es una pintora inglesa, ha desarrollado su carrera dentro de la tradicional técnica de la pintura al óleo, en un estilo figurativo heredero de la Nueva figuración de los años 1950 y 1960, con influencia de Rubens y Lucian Freud. 

Desde su debut en 1992, su temática se ha centrado en el cuerpo de la mujer, generalmente se auretrata, en pinturas a gran escala, con figuras vistas desde perspectivas poco usuales, donde los cuerpos semejan montañas de carne que parecen llenar todo el espacio, con predilección por mostrar las zonas genitales, o por imperfecciones y heridas de la piel, con colores brillantes, intensos, dispuestos por manchas, predominando los tonos rojos y marrones.

Banksy

Se sabe que nació en el Reino Unido en 1974 y dicen que creció en Bristol. 
Banksy es el seudónimo de este artista del graffiti. 
Además es hijo de un técnico de fotocopiadoras, y aunque inicialmente iba a seguir el oficio de carnicero, se vio involucrado en el aerosol en su ciudad natal a fines de los años 80.
Sus obras tratan sobre política, pop, moralidad y etnias, haciendo también una mezcla de imagen y escritura.
Su arte urbano de estarcido es muy similar al de Blek le Rat. Banksy lo reconoció expresando: 

“cada vez que creo que he pintado algo ligeramente original, me doy cuenta que Blek le Rat lo hizo mejor, sólo que veinte años antes".

Uno de los pocos que han logrado entrevistarlo fue Simon Hattenstone, quien al verlo lo ha descrito como "una combinación entre Jimmy Nail y el rapero inglés Mike Skinner" y "un hombre de 28 años que se presentó en un par de jeans y una camiseta con un diente de plata, una cadena y un arete, también de plata". En un inicio realizaba su trabajo en su ciudad natal (1992-1994). Varios años después organizó una presentación en Londres (2000), y luego se ha internacionalizado hacia muchos lugares del planeta. Banksy usa como medio su arte urbano para fomentar cosmovisiones diferentes a la de los demás medios.

Bacon

(1909-1992)

Francis Baconfue un pintor anglo-irlandés de estilo figurativo idiosincrásico, caracterizado por el empleo de la deformación pictórica y gran ambigüedad en el plano intencional. 

En 1926 comenzó a tomar lecciones de dibujo en la St Martin School of Arts de Londres. 

Quizá la influencia más importante que le lleva a pintar es una visita a una exposición de Picasso en París, la cual le impresiona y pasaía a ser la influencia en su trabajo: aquellas figuras le impresionaron mucho y, luego de haberlas percibido, pensó que quizá también él pintar.

Bacon aparentemente decidió que el tema de sus pinturas sería tanto la vida en la muerte como la muerte en la vida. Buscó expresar su condición vital, ligada ésta también a su lado autodestructivo. En 1929 regresó a Londres, y de forma autodidacta, comenzó a pintar al óleo. No obstante, difícilmente logró ser reconocido y, su auto-crítica implacable a menudo lo condujo a abandonar e incluso a destruir muchos de sus trabajos. Sus tienen influencia de Munch en los trazos y de las tonalidades de Van Gogh; también se percibe la influencia de Goya ya que plasmó la angustia en sus cuadros en los que se representa la figura masculina o femenina, que por lo general aparece de forma desfigurada e incluso de forma aterradora, en espacios cerrados y oscuros.

Retrato de Lucian Freud, amigo de Bacon

Frida

(1907-1954)

Frida Kahlo creó una pintura absolutamente personal, ingenua y profundamente metafórica al mismo tiempo, derivada de su exaltada sensibilidad y de varios acontecimientos que marcaron su vida.

A los dieciocho sufre un accidente que la obliga a vivir una larga convalecencia. Contrajo matrimonio con el muralista Diego Rivera. Tuvo un aborto, el cual afecto su delicada sensibilidad y la inspiró para crear dos de sus obras mas valoradas: Henry Ford Hospital y Frida y el aborto.

Cuando André Breton conoció la obra de Frida Kahlo dijo que era una surrealista espontánea y la invitó a exponer en Nueva York y París. Nunca se sintió cerca del surrealismo, y al final de sus días decidió que esa tendencia no se correspondía con su creación artística.

"No sé si mis pinturas son o no surrealistas pero, lo que sí estoy segura es que son la expresión más franca de mi ser, como mis temas han sido siempre mis sensaciones, mis estados de ánimo y las reacciones profundas que la vida ha producido en mí, yo lo he llevado objetivamente y plasmado en las figuras que hago de mi misma, que es lo más sincero y real que he podido hacer para expresar lo que yo he sentido dentro y fuera de mí misma". 

Duchamp

(1887-1968)

 Marcel Duchamp fue un artista francés con nacionalización estadounidense. En su faceta de pintor, la cual hubo de simultanear con el trabajo de caricaturista, pasó rápidamente por todas las tendencias artísticas en boga como el impresionismo, postimpresionismo, fauvismo, cubismo, sin comprometerse con ninguna; ese afán de experimentar iba a ser una de las constantes en su fecunda trayectoria. 

En 1914, Duchamp realiza los primeros ready mades, objetos cotidianos separados de su entorno habitual y presentados por el artista como obras de arte, convirtiéndose en el centro de la vanguardia artística. 

A veces Duchamp asumía una postura femenina pertiéndose jugar y firmar obras con el nombre de Rrose Sélavy (Rrose esto es la vida). 

Durante los años sesenta, criticó corrientes como el pop art o nuevo realismo, ya que aprobaban la estética que él había intentado destruir.

Warhol

(1928-1987)

Andrew Warhola desde muy pequeño mostró grandes dotes artísticos. Es así como sobresale en sus primeras clases de arte en el Carnegie Institute hasta que consigue 

graduarse. 

Warhol comenzó a realizar sus obras más famosas especialmente tras un viaje alrededor del mundo, acto que marcó su vida y que le dio el impulso necesario para comenzar su etapa plenamente "Arte Popular" o "Pop Art" en la que no pretendía hacer arte para el pueblo sino utilizar en sus obras elementos cotidianos de la vida de las personas. En los años sesenta atrajo la atención con exposiciones de imágenes sorprendentemente banales, tales como la lata de sopa campbell (1965) y Botellas de Coca-Cola verdes (1962) o de estrellas famosas como Marilyn Monroe (1962). La importancia de estas imágenes reside en el hecho de que fueran objetos cotidianos y que, al ser impresos, podían ser repetidos mecánicamente hasta el infinito. 

Warhol nunca pintó directamente, ni dirigió, ni escribió guiones ni colocó la cámara en ninguna de sus películas. Intervino más como ideólogo y artista famoso que firma un "producto" artístico. 

De 1969 hasta su muerte publicó "Interview", revista mensual con artículos ilustrados sobre las celebridades del momento.

Frases

" La inspiración existe pero te tiene que pillar trabajando "
                                                                                            Pablo Picasso

Frases

" Hay personas que transforman el sol en una simple mancha amarilla pero también quien hace de una simple mancha amarilla 'el propio sol' "
                                                                                        Pablo picasso

Profundizando en ésta frase dicha por Picasso, podemos dar cuenta en que tiene un alto grado de verdad, ya que hace referencia a la pasión de cada uno, a la inspiración, a los sentimientos. 

No todos ven lo mismo, cada uno ve según su propia visión, según su parecer, según los gustos, etc.
Se trata de ver más allá de lo superficial, de no quedarse en solo la imagen, sino que en buscar dentro, en recorrer cada espacio y rincón de eso que tanto te apasiona y llena. Para algunos podrá ser el arte, para otros el ayudar, no importando lo que sea, tú puedes hacer mucho más de lo que cree la gente, eso solo depende de ti.